Fito Segrera (1983, Colombia) es un artista y creador tecnológico. Tiene un grado MFA del programa de diseño y tecnología de Parsons, The New School en Nueva York. Fito trabaja en la intersección entre el arte, la filosofía y la tecnología. El sistema filosófico y poético de Segrera investiga nuestros modelos convencionales cognitivos y perceptivos, los límites de la mente y nuestra relación con el mundo y nosotros mismos. Su trabajo artístico actual intenta usar lo racional de la inteligencia artificial para levantar el velo de lo irracional, exponiendo los errores detrás del Machine Learning y lo cognitivo de los sistemas computacionales. Las instalaciones y esculturas de Segrera operan como instrumentos de entendimiento de las limitaciones de la percepción humana y nuestras ideas acerca de la naturaleza de la realidad. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en festivales como: Open Codes 2 at ZKM Center for Art and New Media en Karlsruhe (Germany), "I am here to learn: On Machinic Interpretations of the World" en Frankfurter Kunstverein en Frankfurt (Alemania), "UNREAL: The Algorithmic Present" en HEK House of Electronic Arts en Basel (Suiza), “Just What Is It That Makes Today's Computers So Intriguing, So Nonsensical?” en CAC Chronus Art Center en Shanghai (China), Future Intelligence: AI Art at Tank Museum in Shanghai (China), “The 6th Guanzhou Triennial en Guandong Museum of Art en Guanzhou (China), “9th Vladivostok International Biennale” en Vladivostok (Rusia), "VARIATIONS" en Paris (Francia), "PLUNC Festival" en Lisboa (Portugal), "SIGGRAPH" en Vancouver (Canadá), "Collision 20 & 21" en Boston’s Ciberarts Gallery (EE.UU), "Houston International Performance Biennale" in Houston (EE.UU), "SXSW" in Austin (EE.UU), "Emoji" at EYEBEAM en Nueva York (EE.UU). Fito Segrera dirigió el departamento de investigación y creación en el Chronus Art Center (CAC) en Shanghai del 2015 al 2019, donde empezó el CAC_LAB. Desde 2018 ha sido profesor invitado en The Central Academy of Fine Arts (CAFA) Beijing donde enseña creación cognitiva y machine learning para artistas del programa de Artes Experimentales.
Celeste Betancur Gutiérrez
Mujer transgénero, con 34 años, casada y con dos hijos. Música multi-instrumentista (profesional en guitarra de Berklee College of Music) y artista programadora. Con Maestría en Artes Digitales. Actualmente desarrolla su investigación doctoral en la Universidad de Antioquia. Su trabajo se centra en la pedagogía del código y su inclusión en las Artes y en los lenguajes/narrativas como interfaces de interacción humano-máquina.
Ha realizado conciertos y presentaciones en USA, CANADA, MÉXICO, ESPAÑA,COLOMBIA, ITALIA, IRLANDA, ARGENTINA, INDIA, CHILE, y PERÚ. Es desarrolladora principal de la librería CHmUsiCK (chuck+music) para la creación de audio y música bailable. También de CineVivo app, software para producir piezas tipo VJing y live cinema.
Cofundadora del colectivo Algo0ritmos. Productora y directora técnica en Semillero Cinevivo.
Raúl Benito
Raúl Benito/ERROR 404 (1889), tiene formación en Diseño Industrial y posteriormente en Artes Visuales, actualmente se desempaña como docente, la mayor parte de su trabajo parte de la investigación y la experimentación tanto en procesos colectivos como individuales. Sus propuestas artística mezcla lenguajes que van desde el dibujo y la pintura hasta procesos digitales y livecoding. A presentados sus obras en diferentes exposiciones locales y nacionales, también es miembro del colectivo CINEVIVO desde 2015 y de lx colectivx Kynogamia desde 2019 (Colombia/Argentina). Sus líneas de investigación se alimentan de la filosofía, la historia, la ciencia y la literatura. trabajo esta atravesado por una reflexión sobre “el cuerpo”, la imagen, el lenguaje y procesos pedagógico.
Las Malas Amistades son de Colombia, viven en Bogotá y ensayan en el barrio 7 de Agosto… * Las Malas Amistades hacen música (aunque no estudiaron música)… * Las Malas Amistades tocan música urbana y melódica, precaria y libre… *La música de Las Malas Amistades se ha grabado siempre domésticamente y suena a montaña, a madera y a tierra, a teclados viejos y polvorientos, a voz que lleva el viento, a canción rimada...*Las Malas Amistades saben comportarse; no hay nada que temer si los invitan a sus casas (ya sea en cuerpo presente o virtualmente)…
*Hoy Las Malas Amistades son Ximena Laverde, Humberto Junca y Manuel Kalmanovitz.
Discografía:
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La Música de Las Malas Amistades (CD. Las Malas Grabaciones. Bogotá. 1999.)
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Jardín Interior (CD. Psych-O-Path Records. Nueva York. 2005.)
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Jardín Interior (Reedición en CD y en estuche de vinilos de 7 pulgadas. Psych-O-Path Records/Honest Jons Records. Londres. 2006.)
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Patio Bonito (CD. Honest Jons Records. Londres. 2007.)
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Maleza (CD y vinilo. Honest Jons. Londres. 2012.)
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Las Alas a Mitades (CD. Festina Lente/Matik-Matik. Bogotá. 2015.)
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17 Cañonazos No Tan Bailables (CD. Las Malas Grabaciones. Bogotá. 2015)
Astrónomo en el museo de Naturaleza y Ciencia de Denver (DMNS) desde el 2001, hace parte de un equipo cuyo objetivo es crear un programa para el planetario que permita visualizar el Universo conocido. Continúa activamente participando en el Gates Planetarium del DMNS: desarrollando investigación educativa para estudiar el uso de los domos en la educación de la astronomía, ayudando a producir películas y visualizaciones para planetarios, y siendo un cofundador de una red informal de institutos científicos que hacen uso de la visualización inmersiva para la educación del cambio ambiental global. Da numerosas charlas públicas y consejos sobre el contenido científico de las exposiciones permanentes y temporales en el DMNS. Su investigación en el campo de la astronomía incluye el estudio de jóvenes cúmulos estelares, su ambiente y las descargas de las protoestrellas.
Arcangelo constantini, inventor artístico transdisciplinar, tiene una trayectoria de más de 20 años desarrollando obra de carácter especulativo sobre la percepción del entorno, en los 90s fundo unosunosyunosceros.com un proyecto de net art que desde la semántica del dominio es un cuestionamiento sobre la realidad.
Profesor Asociado del programa Diseño Interactivo de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Cuenta con un título de pregrado en Diseño Industrial, una especialización en Creación Multimedia y una maestría en Ingeniería de Sistemas y Computación, todos de la Universidad de Los Andes. Su labor investigativa ha estado enfocada en los procesos de interacción humano-máquina (HCI), la creación de experiencias de usuario (UX) y las realidades mixtas (virtual y aumentada). Tiene una amplia experiencia en consultoría y dirección de proyectos en las áreas de tecnología y diseño de interacción como por ejemplo ser el director de tecnología/product owner de la plataforma digital del Centro de Materiales para Bogotá Región (proyecto desarrollado junto con la Cámara de Comercio de Bogotá, Secretaría de Desarrollo y Colciencias) y haber sido el consultor principal de UX para el portal de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Gran parte de su vida profesional la ha dedicado a la academia, donde en la actualidad dicta materias sobre UX, realidades mixtas, desarrollo web y creación de ambientes interactivos.
Ingeniera Electrónica de la Universidad Nacional de Colombia, y Magistra en Ingeniería de Sistemas y Computación de la Pontificia Universidad Javeriana. Docente de planta de la Universidad Militar Nueva Granada, desde el 2017, en el programa de Ingeniería en Multimedia. Con experiencia en docencia, investigación, desarrollo e innovación en temas de interacción humano-computador, interacciones tangibles, inteligencia artificial, aprendizaje automático y reconocimiento de patrones, aplicados en contextos industriales, educativos y culturales.
Actualmente coordina la Cátedra Max Aub, Transdisciplina en Arte y Tecnología de la UNAM. Dirigió el Laboratorio Arte Alameda entre 2007 y 2018 y el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes en México entre 2004 y 2007. Realizó la Licenciatura en Educación Artística en la Escuela Superior de Artes de Yucatán, cursó el Programa de Alta Dirección en Museos (Instituto Tecnológico Autónomo de México, Instituto de Liderazgo en Museos y el Getty Leadership Institute). Ha recibido distintas becas entre las que se encuentran Media Arts Fellowship por la Fundación Rockefeller-Ford-MacArthur; la beca para Residencias Creativas en el Banff Centre for the Arts, Canadá otorgada por el FONCA. Ha participado en comités de selección en el campo del arte y los nuevos medios para distintas instituciones como la Fundación Rockefeller, ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Ha realizado diversas curadurías entre las que destaca Surrounded (2009), en la Escuela de Arte, Medios y Diseño de la Nanyang Technological University en Singapur; Arqueología de la autonomía (2018) en el Laboratorio Arte Alameda y Fiamma Montezemolo: Soñar con bisontes (2019) Laboratorio Arte Alameda.
Remy Toledo es un productor y estratega cultural Colombiano basado en Nueva York. Fundador y director de Hyphen Hub que descubre, promueve y presenta obras de artistas que trabajan en la vanguardia de tecnologías inmersivas y creativas, desde la realidad aumentada y virtual hasta inteligencia artificial, robótica y ciborgismo. Hyphen Hub es un puente entre la innovación y los campos artísticos con su red global de artistas, ingenieros, diseñadores, performers, compositores e innovadores tecnológicos.
Remy también es el co-fundador de No Longer Empty (No Más Espacio Vacío), una organización con sede en Nueva York que toma espacios vacíos en la ciudad y crea instalaciones artísticas específicas para cada sitio. Co-produjo el Creative Tech Week en Nueva York 2016, un festival que unió la industria de la tecnología, las artes y el académico. Fue director artístico y productor de la sección No Longer Empty en la Bienal de Liverpool en 2010. Fundó y dirigió la Galería Remy Toledo en Nueva York, dedicada a los nuevos medios y al arte feminista.
Eva Davidova explora a través de paradojas y performance las encrucijadas de acción humana dentro de sistemas complejos globales. Davidova ha expuesto en el Bronx Museum, Everson Museum, Albright Knox Museum, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, CAAC Sevilla, Instituto Cervantes, La Regenta y en numerosas galerías privadas en Europa y Estados Unidos.Su próximo proyecto institucional será con ISSUE Project Room de Nueva York.
Alt: El trabajo de Eva Davidova aborda el desastre ecológico, comportamiento y la manipulación de información a través del absurdo y el performance. Davidova ha expuesto en el Bronx Museum, Everson Museum, Albright Knox Museum, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, CAAC Sevilla, Instituto Cervantes, La Regenta y en galerías privadas en Europa y Estados Unidos. Su próximo proyecto institucional será con ISSUE Project Room de Nueva York.
Claudia Hart surgió como parte de una generación de artistas intermedia de los noventa en el nicho del “arte de la identidad”.
Ella todavía examina cuestiones de identidad, ahora se centra en cómo la tecnología afecta la cultura, construcciones de identidades de género y problemas del cuerpo, la percepción y la naturaleza colapsando en tecnología y viceversa. Hart fue uno de los primeros artistas en adoptar imágenes virtuales, utilizando animación 3D para hacer instalaciones y proyecciones de medios, luego, más tarde, cuando se inventaron otras formas de realidad virtual, realidad aumentada y objetos que utilizan máquinas de producción controladas por computadora, ella fué rápida al adoptarlas.
En la Escuela del Instituto de Arte de Chicago donde enseña, desarrolló un programa pedagógico basado en este concepto - Experimental 3D - el primer programa en EU dedicado únicamente para enseñar tecnologías de simulación en un contexto del mundo del arte. Hart vive en Nueva York, es parte de la comunidad artística de Hyphen Hub desde hace varios años.
Carla Gannis es una artista interdisciplinaria basada en Brooklyn, Nueva York. Ella produce piezas que consideran las complicaciones de la realidad fundamentada y la realidad virtual, la naturaleza y el artificio, la ciencia y la ciencia ficción en la cultura contemporánea. Fascinada por la semiótica digital, Gannis toma un acercamiento al horror vacui para su práctica artística, tomando inspiración de una comunicación interconectada, arte, historia de la literatura, tecnologías emergentes y diseño especulativo.
El trabajo de Gannis ha aparecido en exhibiciones, proyecciones y proyectos de Internet alrededor del mundo. Proyectos recientes como “Portraits in Landscape”, proyectado en Midnight Moment en Times Square Arts en Nueva York y “Sunset/Sunrise” exhibido en el Whitney Museum of American Art, Artport. Es una profesora de arte, innovación y sociedad, en marzo de 2019 participó en el SXSW Interactive Festival como ponente en el panel “Human Presence and Humor Make Us Better Storytellers.” Publicaciones que han incluido el trabajo de Gannis The Creators Project, Wired, FastCo, Hyperallergic, The Wall Street Journal, The New York Times, El PaÍs and The LA Times, entre otros. En 2015 su trabajo de ficción especulativa fue incluida en DEVOURING THE GREEN:: fear of a human planet: a cyborg / eco poetry anthology, publicado por Jaded Ibis Press.
Gannis tiene un MFA en Pintura de la Universidad de Boston. Actualmente, es profesora de Industria en la Universidad de Nueva York (NYU) en el programa de Media Digital Integrada, del departamento de Tecnología, Cultura, Sociedad, de Tandon School of Engineering.
Mattia Casalegno es un artista italiano residente en Nueva York que trabaja en una variedad de medios, desde videos y performances hasta instalaciones inmersivas y Realidad Mixta. Su trabajo explora las percepciones físicas y sensoriales de sus espectadores, evocando experiencias que son completamente inmersivas, encarnadas sensorialmente y psicológicamente intensificadas. Su práctica artística se basa en las disciplinas más dispares como la antropología, la ecología, la biología, las neurociencias y la informática, y se centra en las relaciones y tensiones entre la naturaleza, la sociedad y la tecnología.
Las exposiciones colectivas e individuales incluyen Netmage (2005), Mutek Festival (2005), Museo de Bellas Artes Kuandu (2011), Auditorio de Roma (2012), Museo MACRO (2013), Museo de Arte Contemporáneo Le Cube (2012) Feria de Arte Satélite ( 2016), Museo Cívico de Bassano del Grappa (2017), Joven en Museo de Arte (2017) Festival de la Imagen (2019), ISEA (2019).
Su trabajo ha sido presentado internacionalmente en publicaciones y catálogos como “A Touch of Code”, Gestalten Books; “Tac, Sometti; y “Deleuze and Audiovisual Art”, Manchester Metropolitan University, y en medios como el New York Times, Washington Post, Wall Street Journal, Bloomberg, Art Tribune, Hyperallergic, Digicult, e-artnow.
Nominado a los premios New Technological Art Awards en 2014 y el artista reside en Eyebeam en 2015, recibió varias subvenciones y becas de, entre otros, NEW INC, el Centro para la Innovación Cultural, la Red de Jóvenes Artistas Italianos, NYFA, la Fundación Elizabeth para las Artes , el Chronus Art Center y el Asia Culture Center. Recibió un premio Lumen Prize en 2018. Actualmente forma parte de la comunidad artística HYPHEN-HUB quien representa su trabajo a nivel internacional
Curador de arte, docente y tecnólogo nacido en Argentina. Licenciado en Artes Electrónicas(Universidad Nacional de Tres de Febrero) cuenta con estudios de posgrado en Industrias Culturales en la Convergencia Digital y en Curaduría en Artes Visuales. Ha participado como curador y orador en instituciones como Victoria & Albert (Londres), Planetarios de Buenos Aires, Bogotá, Medellín, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Centro Cultural Rojas, entre otros. En el sector público se desempeñó como líder de proyectos de innovación educativa, como Gerente de Sensorización Urbana y como Asesor de la Dirección de Ciencia y Tecnología del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Desde 2015 es director del Festival Internacional de Cultura Digital +CODE y ha participado como conferencista en festivales de arte y nuevos medios de América y Europa, y como docente invitado en distintas universidades de América Latina. En 2018 crea Estudio Táctico donde desarrolla consultorías y proyectos culturales que vinculan educación, arte y tecnología junto a gobiernos y ONGs.
Mene Savasta es artista sonora, música e historiadora del arte. Investiga y produce en el campo del arte sonoro, realizando instalaciones y performances colectivas e individuales. Ha exhibido en CC Recoleta (2018), Teatro Colón (Bs. As., 2016), MACBA (2014), Ars Electronica 2013 (Linz, Austria), Espacio Fundación Telefónica (2013), CCEBA (2005), entre otros.
Compone y produce música utilizando su voz, sintetizadores y medios electrónicos. En 2015 editó su primer disco solista, Campo Cercano, material que presentado como performance sonora y lumínica en diversos espacios del arte contemporáneo y festivales, como Sónar (2016), Ciclo Escuchar (2016), Mutek (2017) y Museo MAR de Mdp (2017) entre otros. Actualmente toca sintetizadores en la banda de Lucy Patané. Junto a su hermano Antonio, tienen un duo dark ambient llamado Materia oscura. Entre 2008 y 2014 participó de los proyectos Operadora, El Tronador y r353. Es miembro fundador del colectivo artístico orientado a la improvisación MARDER.
Profesora en Historia de las Artes Visuales (UNLP), es docente y coordinadora académica de la Especialización en Arte Sonoro de la UNTREF. También enseña en la Lic. en Artes Audiovisuales en la UNA y en la Maestría en Arte Sonoro de la UNQ. Actualmente se encuentra finalizando el Doctorado en Arte Contemporáneo en la UNLP. Su trabajo de investigación reflexiona sobre la condición transdisciplinar del arte sonoro en Argentina en la contemporaneidad.
Diseñador abierto y músico. A partir de 2007 edita varios discos en sellos como Peatón y Geiser. Desde 2010 comanda el sello Spit On BPM que edita en copias numeradas en casetes. Entre agosto de 2016 y marzo de 2017 residió en Berlín (Alemania) en donde, con el patrocinio de Goethe Institut Buenos Aires asistió al programa Nachwuchs del nuevo festival interdisciplinario Pop-Kultur al que fue invitado por Musicboard Berlin. En Alemania, colaboró con artistas como Claire Tolan y Adam Asnan. Ese mismo año fue músico y performer para el dúo Lolo & Lauti en su puesta de la obra Perfect Lives de Robert Ashley en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. También en Berlín, galardonado por una beca de viajes para artistas otorgada por el coleccionista argentino Alec Oxenford, trabajó en el M.A. Open Design de la Universidad Humboldt-FADU/UBA. En 2019 defendió la tesis de dicho máster orientado en la disciplina Sound Studies (Estudios Sonoros) con resultados satisfactorios. El mismo año viajó a Bogotá para presentar el trabajo audiovisual “Fuerza diagonal - instancias”, en colaboración con la artista Silvia Rivas, cuya banda de sonido en 7.1 compuso y ejecutó en vivo en el festival interdisciplinario Domo Lleno. Actualmente aguarda presentar su tercer LP, “XIS”, que vio la luz en marzo de este año a través del sello Otras Formas. Un mes posterior a la muerte de su colega Rosario Bléfari estrenó, junto a Juliana Gattas y Gabriel Lucena, la versión homenaje a su grupo Suárez de la canción “Río de enero”.
Sebastián Verea
Compositor y artista transdisciplinario. Su producción e investigación se enfocan en el diálogo del arte con la ciencia y la tecnología. Es co-fundador del centro de Arte y Ciencia y dirige el curso de posgrado Música Expandida en el instituto de Artes Mauricio Kagel de la Universidad Nacional de San Martín (Argentina). Compuso más de veinte obras originales para teatro y danza, música para pequeños ensambles, y solo sets.
Juan Cruz Forgnone
Es licenciado en Dirección Escénica por la Universidad Nacional de las Artes (Argentina) y graduado de la carrera de Dirección Escénica de Ópera en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Fue distinguido con el Premio María Guerrero en el rubro Revelación por el espectáculo Peer Gynt (2016) y nominado en la terna de los Premios Trinidad Guevara en la misma categoría por El canto invisible (2017), espectáculo ganador de la Bienal de Arte Joven 2017 (Buenos Aires). Se desempeña a su vez en el ámbito de la investigación teórica.
Artista audiovisual, nacido en Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires) y actualmente radicado en la Ciudad de Buenos Aires. Su trabajo surge de imaginar los espacios de la mente, los modelos de realidades que nacen en su interior y su relación con herramientas digitales como el modelado 3D y el diseño de sonido. En función de eso, Busca representar ecosistemas vegetales o meméticos que toman la forma cortometrajes, instalaciones, pinturas, espacios de realidad virtual o conciertos audiovisuales. Formó parte del colectivo artístico Oligatega y del grupo electro punk Hipnoflautas. Obtuvo la beca del programa de talleres dictado por Guillermo Kuitca (Argentina, 2003-2005), LIPAC en el Centro Cultural Rojas (Argentina, 2007), Centro de Investigaciones Artísticas (Argentina, 2009) y la beca Creación del Fondo Nacional de las Artes (Argentina, 2016 y 2019). Participó de las clínicas de obra de la artista argentina Diana Aisemberg. Su obra ha sido exhibida en el Centro Cultural Kirchner (Buenos Aires), en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Centro Cultural de Belgrado (Serbia), en los festivales ArtFutura, Mutek, Sonar, Robot y Trimarchi, en el Artists' Television Access (San Francisco, USA), Art Basel (Suiza) y en el Centro de Experimentación del Teatro Colón de Buenos Aires, entre otros.
Lucas Gutierrez
Lucas Gutiérrez es artista digital y diseñador industrial que reside actualmente en Berlín. Se ha involucrado en diversas disciplinas, desde conferencias, talleres y performances audiovisuales hasta proyectos de videoarte enfocados en los nuevos paradigmas de la cultura digital. Profundamente involucrado en la cultura del remix y en proyectos de sesiones AV en tiempo real en los que combina influencias de diferentes contextos, desde la antropología hasta las citas abstractas del modelado 3D para el diseño industrial. Su narrativa a menudo cita los miedos sociales y las distopías actuales, pero sobre todo utiliza el lenguaje de la colorida y caótica metafísica.
Sus charlas y presentaciones más recientes fueron en Sonar +D y MUTEK (Argentina / México), ZKM - Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe, NYU Berlín, exposiciones en The New Infinity | Berliner Festspiele | Immersion, XS Gallery (Polonia), Aperto Raum y CTM / transmediale (Berlín, Alemania).
En los últimos años, Lucas dio conferencias en UdK - Universität der Künste Berlin y Kunsthochschule Weißensee en los campos de visualización en tiempo real, gráficos en movimiento espaciales y visuales.
Robert Lippok
El trabajo de Robert Lippok en música y sonido canaliza la crudeza de sus raíces punk y postpunk disidentes e industriales de Alemania Oriental tanto en el este como en el Berlín reunificado (como cofundador de las bandas Ornament und Verbrechen y To Rococo Rot). Al verter esa energía liquida en su trabajo como solista, Robert ha producido un cuerpo de música que maquina esa fuerza dentro de una amplia variedad de formas arquitectónicas. El largometraje de 2018 aclamado por la crítica, "Applied Autonomy" (Raster Media) sigue la "superestructura roja" de 2011 (RasterNoton) y se basa en colaboraciones con el músico Klara Lewis (en una residencia en el estudio EMS en Estocolmo) y contribuciones visuales de Lucas Gutierrez. También se ha confiado en Lippok como un espontáneo e inventivo intérprete de música en vivo y audiovisual. Eso incluye apariciones en festivales como MUTEK, Unsound, L.E.V, GAMMA Festival St. Petersburg, en Berghain y Funkhaus Berlin, trabajo con el sistema de audio espacial 4DSOUND, colaboraciones con Doug Aitken en Serpentine Gallery London, con la coreógrafa Constanza Macras en Akademie der Künste Berlin, con el arquitecto alemán Arno Brandlhuber en NBK Berlina. Extiende su práctica a talleres donde enseña su enfoque multidisciplinario al diseño y el sonido, incorporando arquitectura y materiales de audio de campo, incluidos proyectos recientes en Guatemala y en la Polygon Gallery de Vancouver, y en su clase de performance y producción en NYU Berlin, "Experiments in the Future of Production and Performance".
Nacido en Burgos, España en 1981, desarrolla su producción artística entre su estudio en Paris, Francia (UAS, Updated Art Studio) y ESAT LAB, departamento de Innovación que dirige en la ESAT, Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia, España.
Su formación como Historiador del arte y máster en Arte y Comunicación, han condicionado su evolución artística hacia lo que podríamos llamar como arte tecnológico conceptual.
El trabajo con el significado y naturaleza de los archivos digitales, como lo demuestran algunas piezas como el Harddiskmuseum, un museo de arte en un disco duro, Framed Memory Card, Host-in, Langpath o File Genesis o trabajos más recientes en los que se conectan los mundos virtuales y los analógicos a través de la fotogrametría como en High Meshes, son muestras del su interés por la presencia humana y su incidencia en esta era de la comunicación y la digitalización.
Artista, diseñador de interacción, programador y DJ basado en Tokyo. Lanzó Rhizomatiks en 2006. Desde 2015, ha sido co-director de la línea de investigaciones de Rhizomatiks al lado de Motoi Ishibashi. Esta área de la organización está dedicada a la exploración de nuevas posibilidades en el ámbito técnico y la expresión artística con un enfoque en proyectos intensivos en Desarrollo e Investigación. Profesor asignado en la universidad de Keio SFC.
El trabajo de Manabe en diseño, arte y entretenimiento tiene un enfoque en los materiales y fenómenos cotidianos. Sin embargo, su objetivo final no es simplemente lograr un realismo en alta definición combinando estos elementos. Su práctica se basa en la observación para descubrir y dilucidar las potencialidades esenciales e inherentes al cuerpo humano, a los datos, la programación, los computadores y otras herramientas. Permitiéndole probar la interrelación y límites entre lo análogo y digital, lo real y lo virtual.